Ánimo

Durante la clase, el profesor nos brindó información adicional sobre la presentación final de nuestras animaciones. Nos informó emocionado que tendríamos la oportunidad de proyectar nuestras creaciones en el auditorio, lo que añadía un nivel adicional de emoción y expectativa a todo el proceso. Esta noticia despertó aún más nuestra motivación y nos incentivó a dar lo mejor de nosotros para crear una animación impactante y cautivadora.

Después de completar las pinturas seleccionadas para nuestra animación, continuamos explorando y experimentando con las herramientas de partículas en After Effects. Modificamos los valores de estas partículas, ajustando su velocidad, dirección y apariencia para lograr efectos visuales más interesantes y sorprendentes. Esta etapa nos permitió agregar un toque especial a nuestras animaciones, brindándoles una dinámica y un atractivo visual adicional.

Luego, retomamos el tema del parallax, una técnica que habíamos aprendido previamente y que resulta fascinante en el ámbito de la animación. Utilizamos el fondo que habíamos creado previamente y comenzamos a trabajar en la implementación del parallax. En este enfoque, la cámara se convierte en el elemento principal que se mueve a lo largo de la composición, mientras que otros elementos se desplazan en dirección contraria al movimiento de la cámara. Los elementos restantes permanecen aparentemente estáticos, lo que crea una ilusión de profundidad y perspectiva en la animación. En pocas palabras, el parallax es una técnica que juega con diferentes planos y encuadres para generar una sensación de profundidad y agregar una dimensión adicional a nuestras composiciones.

A medida que profundizamos en el parallax, descubrimos la importancia de planificar cuidadosamente nuestros movimientos de cámara y la posición de los elementos en cada plano. Esto aseguraba que la ilusión de profundidad se mantuviera coherente y creíble en toda la animación. Nuestro objetivo era lograr que los espectadores experimentaran una sensación de inmersión al observar nuestras creaciones, transportándolos a un mundo animado y cautivador.

Animación:

https://youtu.be/4BMWyhm6v7s

¿Nazi?

 

Durante la clase de esta semana, ampliamos nuestros conocimientos sobre los objetos nulos y profundizamos en su aplicación dentro de After Effects. Nuestro profesor nos explicó en detalle cómo utilizar este recurso, que actúa como un imán en el software y nos brinda un amplio abanico de posibilidades para manipular elementos en nuestras composiciones. Además, nos introdujeron a una emocionante herramienta llamada "Puppet" (títeres), que nos permitía añadir articulaciones a los objetos, otorgándoles una mayor flexibilidad y realismo en sus movimientos.

La tarea encomendada para esta clase consistía en animar dos pinturas de nuestra elección, y cada estudiante tenía la libertad de seleccionar las obras que más le interesaran. Yo escogí una de Hitler.

Dicho esto, continuando con el desarrollo de la clase, nos proporcionaron una amplia gama de herramientas y técnicas para separar las pinturas seleccionadas del fondo original en Photoshop. Utilizamos la herramienta de relleno según contenido para eliminar los espacios vacíos y rellenarlos de manera coherente con la imagen original. Posteriormente, importamos las pinturas a After Effects y creamos una nueva composición, ajustando los parámetros de resolución, frecuencia de cuadros y duración según las indicaciones del profesor.

Siguiendo el enfoque tridimensional que habíamos adoptado en las clases anteriores, convertimos todas las capas, incluyendo las pinturas y los objetos nulos, en objetos 3D. Esto nos permitió explorar y manipular las propiedades de posición, opacidad, rotación y escala en un espacio tridimensional, brindando una mayor sensación de profundidad y realismo a nuestras animaciones.

En cuanto a la estructura de la composición, se nos solicitó que creáramos tres encuadres de cámara distintos. El primero consistía en un primer plano detallado de alguna parte específica de la pintura, el segundo era un encuadre medio que mostraba una vista más amplia de la obra, y el tercero era un plano abierto en el que se desarrollaba el movimiento del sujeto de la pintura. Este último encuadre debía tener una duración que ocupara la mitad del tiempo total de la composición.

Aquí está el resultado:


https://youtu.be/r44cNDpxpYM

Walking chibi

En esta apasionante clase, nuestro profesor nos reveló con gran entusiasmo que finalmente daríamos inicio a la creación de nuestros adorables chibis. La emocionante tarea que nos encomendaron consistía en fusionar nuestros entrañables personajes con un cautivador fondo que nosotros mismos tendríamos el privilegio de diseñar, todo ello en armonía con el storyboard imprescindible de nuestra animación de 40 segundos. Sin embargo, durante este proceso creativo, me vi enfrentado a un pequeño contratiempo que requería de mi atención: la necesidad de redibujar mi chibi. Originalmente concebido con una perspectiva de perfil, al momento de crear el sprite, su aspecto resultaba inesperadamente cómico y poco adecuado para la narrativa que buscaba transmitir. Por tanto, decidí hacer los ajustes necesarios para que su apariencia estuviera en sintonía con el estilo y la esencia general del proyecto.

Además, aprovechando esta oportunidad para expandir nuestro conocimiento en el mundo de la animación, nuestro profesor nos introdujo a un fascinante concepto llamado "parallax". Según explicó, el parallax es una técnica visual utilizada para añadir una sensación de movimiento y profundidad a composiciones de imágenes bidimensionales. Se logra mediante el uso de diferentes planos y el desplazamiento relativo entre ellos. En esencia, el parallax nos brinda la capacidad de dotar a nuestras creaciones animadas de una perspectiva visualmente atractiva y envolvente, que involucra al espectador en una experiencia más inmersiva. Es emocionante poder explorar y aplicar esta técnica en nuestro proyecto, ya que nos permitirá ampliar nuestras habilidades artísticas y elevar la calidad de nuestras animaciones.

Este es mi fondo: